Article in NL Glass Magazine
MARTIN McWILLIAM Mehr
The Vessel and its Image (für Deutsch, bitte nach unten scrollen)
Solo Exhibition in the Keramion
Form in Space - by Martin Feltes
Martin McWilliam’s Ceramics
A look at cultural history proves it. Pottery is one of the earliest cultural expressions of man and is a yardstick and carrier of the cultural levels, with the vessel clearly being the main task. The hollow form of hands together in their function of scooping and drinking was probably the model for the first clay vessels, which were created by pressing, squeezing and shaping. In their tactile quality, they nestle against the hand pit and at the same time allow one to feel the symbolic power of the vessel. The vessel is an ancient symbol for receiving, absorbing and preserving.
The ceramic work of Martin McWilliam revolves around the vessel, which is characterized by the encounter with the aesthetics of Japanese tea ceramics. Not the perfect, symmetrical and calculated, but the beauty of the imperfect, asymmetrical and random are characteristics of this aesthetic, which also characterize Martin McWilliam's vessels. The organic and irregular character is already achieved when turning the potter's wheel, when the Chinese porcelain beads embedded in the clay create imbalances when the pot walls are pulled up. On the surface, the enclosed pearls set relief-like accents, whose aesthetic appeal is further enhanced by the lively play of colours of the applied glazes. This painterly effect is the result of a firing process that Martin McWilliam also explored and researched in Japan. Due to the wood fire in the self-built three-chamber kiln, a wide variety of colour nuances, encrustations, traces of fire and shades are created by ash flight and glaze gradients. In this process, coincidence plays a major role, which can only be controlled to a limited extent by the artist's "director's instructions". But that's what makes it interesting and exciting. Martin McWilliam is always amazed at the results of wood fire burning, which often deviate from his intended vision of the end products.
An atmosphere of the archaic and original characterizes this group of works of tea vessels, in which the four elements are condensed in the truest sense of the word. Since ancient Greece, earth, water, air and fire have been regarded as the primary substances (arché) of the world. In the Middle Ages, Hildegard von Bingen set the elements in her four-part world view in analogy to the four seasons, the four cardinal points and also to the temperaments of people. Air is assigned to the sanguine, fire to the choleric, water to the phlegmatic and earth to the melancholic. This assignment reflects a close connection between the primary substances of the world and the human soul. But the vessel made of clay is also a symbol for the human body, which is reminded of by numerous vessel figures. And it is no coincidence that the ceramist speaks of the foot, the belly, the neck and also the lip when creating vessels. Martin McWilliam's vessels are therefore closely related to people. They are an examination of the primary substances of the world, honour the vessel as a carrier of meaning and encourage contemplative contemplation. A comparison to the idea of the Japanese garden is appropriate here, which is never a kitchen garden, but always designed as a place of meditation against the background of Zen Buddhism. In the case of Martin McWilliam's vessels, too, their function is not the primary focus. Rather, they are objects of aesthetic experience that can invite the gift of stillness and deceleration.
Martin McWilliam's vessel objects appear even more removed from practical utility. They tell of an artistic examination of the form and its surface. The ceramist has developed a design language in which the vessel is "ironed" into the surface and the volume of a hollow body expected by the viewer is only simulated. This original and innovative game of optical illusion, confusion and irritation is continued when bisected vessels stand as a torso on a metal plate or when vessel abbreviations appear in foreshortened perspective as sparse scratched drawings on a ceramic plate. The appeal of the fragmentary is to be emphasized as well as the appeal to the viewer's imagination to fill in what is missing. Our viewing habits are also called into question by the artistic deceptive effects, which can be reminiscent of Cubist painting. As in the cubist paintings, forms are broken in the ceramics and different perspectives are interwoven. The aim of this artistic position is to guide the viewer around the disassembled object in an imaginary manner, which addresses the tension between space and time. And yet another level of meaning of these vessel objects must be emphasized: the demonstration of the unreliability of our sensory perceptions. Again, there is a parallel to Zen Buddhism and its original distrust of visible things in their impermanence and nothingness.
Martin McWilliams was already inspired by East Asian culture and Japanese ceramics while studying ceramics at the Bournemouth Art School and Dartington Pottery Training WOrkshop (1975-78). His years of apprenticeship and travel not only led to various workshops in England, Germany and Switzerland, but also to Japan, where he encountered the Japanese ceramic tradition intensively. There, Martin McWilliam explored the materials, techniques and firing processes, but above all internalized the spirituality that is so closely associated with this tradition. This explains the authenticity of his ceramics, which enchant with their archaic dignity and their aura of magic and mystery. In our increasingly disenchanted world, we can be thankful for this appeal of Martin McWilliam's ceramics. And we are also grateful for the ceramist's contribution to the cultural climate in Oldenburg county where Martin McWilliam has lived and worked since1983.
Martin Feltes
Gefäß und Form
Zu dem keramischen Werk von Martin McWilliam
Ein Blick in die Kulturgeschichte belegt. Keramik zählt zu den frühesten kulturellen Äußerungen des Menschen und ist Gradmesser und Träger der Kulturstufen, wobei das Gefäß die eindeutige Hauptaufgabe gewesen ist. Die Hohlform zusammengelegter Hände in ihrer Funktion des Schöpfens und Trinkens war wohl das Vorbild für die ersten Tongefäße, die durch Drücken, Quetschen und Formen geschaffen wurden. In ihrer haptischen Qualität schmiegen sie sich der Handgrube an und lassen im Ertasten zugleich die symbolische Kraft des Gefäßes ahnen. Das Gefäß ist ein uraltes Sinnbild für das Empfangen, Aufnehmen und Bewahren.
Um das Gefäß kreist das keramische Werk von Martin McWilliam, das durch die Begegnung mit der Ästhetik der japanischen Teekeramik geprägt ist. Nicht das Perfekte, Symmetrische und Kalkulierte, sondern die Schönheit des Unvollkommenen, Asymmetrischen und Zufälligen sind Merkmale dieser Ästhetik, die auch die Gefäße von Martin McWilliam auszeichnen. Der Charakter des Organischen und Unregelmäßigen wird schon beim Drehen auf der Töpferscheibe erzielt, wenn die in den Ton eingelassenen chinesische Porzellanperlen beim Hochziehen der Gefäßwände Unwuchten erzeugen. In der Oberfläche setzen die eingeschlossenen Perlen reliefartige Akzente, deren ästhetischer Reiz durch das lebendige Farbenspiel der aufgetragenen Glasuren noch verstärkt wird. Diese malerische Wirkung ist das Ergebnis eines Brennverfahrens, das Martin McWilliam ebenfalls in Japan erkundet und erforscht hat. Durch den Holzfeuerbrand im selbstgebauten Drei-Kammer-Ofen entstehen durch Ascheflug und Glasurverläufe die unterschiedlichsten Farbnuancen, Verkrustungen, Feuerspuren und Schattierungen. In diesem Prozess spielt der Zufall eine tragende Rolle, die nur bedingt durch „Regieanweisungen“ des Künstlers gesteuert werden kann. Aber gerade das macht die Sache interessant und spannend. Immer wieder staunt Martin McWilliam über die Ergebnisse des Holzfeuerbrands, die häufig von seiner beabsichtigten Vorstellung der Endprodukte abweichen.
Eine Atmosphäre des Archaischen und Ursprünglichen prägt diese Werkgruppe der Teegefäße, in denen die vier Elemente im wahrsten Sinne des Wortes verdichtet sind. Die Erde, das Wasser, die Luft und das Feuer gelten seit der griechischen Antike als Urstoffe (arché) der Welt. Im Mittelalter hat Hildegard von Bingen in ihrem viergliedrigen Weltbild die Elemente in Analogie zu den vier Jahreszeiten, den vier Himmelsrichtungen und auch zu den Temperamenten des Menschen gesetzt. So wird die Luft dem Sanguiniker, das Feuer dem Choleriker, das Wasser dem Phlegmatiker sowie die Erde dem Melancholiker zugeordnet. Diese Zuordnung spiegelt einen engen Zusammenhang zwischen den Urstoffen der Welt und der Seele des Menschen. Aber das aus Ton geschaffene Gefäß ist auch Sinnbild für den menschlichen Körper, woran zahlreichen Gefäßfiguren erinnern. Und nicht zufällig spricht der Keramiker bei der Schaffung von Gefäßen von dem Fuß, dem Bauch, den Hals und auch der Lippe. Die Gefäße von Martin McWilliam haben also auf das Engste mit dem Menschen zu tun. Sie sind eine Auseinandersetzung mit den Urstoffen der Welt, würdigen das Gefäß als Bedeutungsträger und regen zu einer kontemplativen Betrachtung an. Hier bietet sich Vergleich zu der Idee des japanischen Gartens an, der nie Nutzgarten, sondern vor dem Hintergrund des Zen-Buddhismus immer als ein Ort der Meditation angelegt ist. Auch bei den Gefäßen von Martin McWilliam steht nicht ihre Gebrauchsfunktion im Vordergrund. Sie sind vielmehr Gegenstände des ästhetischen Erlebens, das zum Geschenk der Stille und Entschleunigung einladen kann.
Noch deutlicher vom praktischen Nutzwert entfernt erscheinen die Gefäßobjekte von Martin McWilliam. Sie künden von einer künstlerischen Auseinandersetzung mit der Form und ihrer Oberfläche. Der Keramiker hat eine Formensprache entwickelt, in der das Gefäß in die Fläche „gebügelt“ ist und das vom Betrachter erwartete Volumen eines Hohlkörpers nur vorgetäuscht wird. Dieses originelle und innovative Spiel der optischen Täuschung, Verwirrung und Irritation wir noch fortgesetzt, wenn halbierte Gefäße als Torso auf einer Metallplatte stehen oder wenn Gefäßabbreviaturen in perspektivischer Verkürzung als sparsame Ritzzeichnungen auf einer Keramikplatte auftauchen. Der Reiz des Fragmentarischen ist ebenso zu betonen wie der Appell an die Phantasie des Betrachters, Fehlendes zu ergänzen. Auch werden durch die kunstvollen Täuschungseffekte unsere Sehgewohnheiten in Frage gestellt, womit an die Malerei des Kubismus erinnert werden kann. Denn wie in den kubistischen Gemälden werden auch in den Keramiken Formen gebrochen und verschiedene Blickwinkel ineinander verwoben. Das imaginäre Herumführen des Betrachters um das zerlegte Objekt ist das Anliegen dieser künstlerischen Position, womit das Spannungsfeld von Raum und Zeit thematisiert wird. Und noch eine weitere Bedeutungsebene dieser Gefäßobjekte muss betont werden: das Aufzeigen der Unzuverlässigkeit unser sinnlichen Wahrnehmungen. Wiederum zeigt sich eine Parallele zum Zen-Buddhismus und seinem originären Misstrauen gegenüber den sichtbaren Dingen in ihrer Vergänglichkeit und Nichtigkeit.
Schon während seines Studiums der Keramik an der Bournemouth Art School (1976-78) wurde Martin McWilliams von der ostasiatischen Kultur und der japanischen Keramik inspiriert. So führten seine Lehr- und Wanderjahre nicht nur in verschiedene Werkstätten Englands, Deutschlands und der Schweiz, sondern auch nach Japan, wo eine intensive Begegnung mit der japanischen Keramiktradition stattfand. Dort hat Martin McWilliam die Materialien, Techniken und Brandverfahren erkundet, aber vor allem auch die mit dieser Tradition auf das Engste verbundene Spiritualität verinnerlicht. So erklärt sich die Authentizität seiner Keramiken, die in ihrer archaischen Würde und in ihrer Aura des Magischen und Geheimnisvollen verzaubern. In unserer immer mehr entzauberten Welt können wir für diese Anziehungskraft der Keramiken von Martin McWilliam dankbar sein. Und dankbar sind wir auch für den Beitrag des Keramikers für das kulturelle Klima im Oldenburger Land. Denn er seit 1983 sich niedergelassen hat.
Dr. Louise Mazanti. Writer and lecturer, Denmark.
McWilliam’s work inscribes itself into a very long tradition that dates far beyond the strands of modernity and the concept of art as we know it, at the same time as he points to the most advanced scientific studies. In premodern cultures the cultic object would form a bridge between this world and the divine forces beyond human understanding. Today we investigate these fields in the context of consciousness studies, Superstring theory and quantum physics that all end up questioning the present view on reality. Both represent and materialize a connexion between the world as we know it, and the space that is beyond human consciousness. Compared to the cultic object, in a postmodern context McWilliam is able to create a similar passage, precisely because his works adapt and incorporate the postmodern reality. The play with dimensions openly tells the story of postmodern deconstruction, but still, essence has not been lost. The extended awareness that is created as time and space merge offers us a possibility to get in touch with those deeper layers of human existence. The most existential experiences expressed in the humble form of a vessel. Clay, water and fire. Form leading to the formless. Space dissolving space.
Justin Crowe, Writer-at-Large for CFile
The process McWilliam uses to create his work is a planned excavation. The solid chucks of clay are formed, scored with a design, and fired. “Prepared surfaces are struck off after the firing with a hammer and a chisel to reveal an archeological looking core,” McWilliam explains on his website. His process reveals images of pottery as well as abstract geometric patterns.His process is like a dark proactive civilization, designing their own discovery by future cultures. His objects are apocalyptic death notes. The iconic images are more brilliant than they first appear, depicting simple pictures of pottery, a basic human tool with a universal message. This icon is a hopeful commonality to the discovering future culture, a clue saying – “We are the same.” This unsuspecting consideration for future communication is also seen in the use of dense material to preserve his message. They make us wonder if McWilliam and ancient cultures were both writing to the future or simply to their contemporaries.McWilliam’s making process gives him two exhilarating experiences lived vicariously through the viewer. His first experience is creative manifestation followed by the excitement of exploration and discovery. It is a playful performance of an anthropological process that typically takes thousands of years and millions of people condensed into just a few weeks by a human with god-like powers.